Les mouvements et gestes des danses tziganes se caractérisent plus souvent qu’autrement par des styles mélangés les uns aux autres. C’est pourquoi la danse gitane est si difficile à définir et à décrire. Pleines d’histoire et de légendes, les danses tziganes s’expriment aujourd’hui, la plupart du temps, par la forme et non plus par la signification profonde originelle. Impossible non plus de parler des danses tziganes sans parler du peuple gitan lui-même.

Cette activité du volet « Arts et culture » inclut deux ateliers où les participants auront l’occasion de fabriquer des éventails et de s’initier aux danses tziganes. À la première rencontre, les élèves fabriquent un ou deux éventails avec des tissus colorés, texturés, montés sur un support de carton rigide. L’artiste-professeure enrichit cette activité en proposant des musiques tziganes de différents pays. Elle fait aussi un survol historique du destin si peu commun de ces « gens du voyage ». Lors de la deuxième rencontre, les élèves auront l’occasion d’apprendre quelques pas traditionnels et/ou modernes de quelques régions.

Ces humains aux mille visages, à travers le temps et tout au long de leurs voyages ont influencé les peuples des pays qu’ils visitaient et en retour ont été influencés par les peuples natifs de ces pays. On dit que le peuple gitan aurait débuté son grand voyage à partir du nord de l’Inde dans le Rajasthan pour se terminer en Andalousie dans le sud de l’Espagne. Encore aujourd’hui, certaines familles tziganes voyagent en visitant de nouveaux paysages!

À tort ou à raison, ils ont porté tous les maux du monde entier et ont porté toutes les personnalités. Personne ne restait neutre devant ce peuple. On leur reprochait tout et rien. Ils dérangeaient et ils faisaient peur mais combien de gens se sont inspirés de leurs us et coutumes, combien de gens sont fascinés par leur manière d’être!

La danse-tambour ou doun-doun-danse, née d’un amalgame entre deux disciplines artistiques, combine les danses d’Afrique et le jeu des tambours basses(doun-doun) d’Afrique de l’Ouest. Les battements puissants du tambour qui marquent le rythme, s’associent aux mouvements énergiques et dynamiques de la danse africaine. Il en résulte une danse percussive organique et surtout très amusante : l’élève est à la fois danseur et musicien-percussionniste, il danse en même temps qu’il joue du tambour!

Le premier atelier de ce volet du programme « Ars et culture » se donne à votre l’école. Avec de simples tiges de bois, chaque élève fabrique une paire de bâtons rythmiques. À partir de lanières de cuir qui viennent de peaux de tambours récupérées, l’élève s’initie à l’art de la confection de babiche. Il tresse ainsi les poignées des ses bâtons comme bon lui semble. L’artiste-professeur propose ensuite de personnaliser les bâtons par un qualificatif positif et un élément de la nature qui représente l’élève.

Le deuxième atelier se donne dans les studios de Sankofa. Les jeunes expérimentent la danse-tambour en jouant avec leurs propres bâtons façonnés dans le premier atelier. Les tambours basses traditionnels étant lourds et très volumineux ne se transportent pas facilement. Donc, pour bien apprécier l’expérience de cette discipline insolite et encore peu connue, le grand local de répétition de l’organisme offre un espace adéquat et sécuritaire pour danser.

En Afrique du Sud, durant l’Aparthied, les mineurs chaussés de bottes de pluie, étaient enchaînés entre eux pour travailler dans les mines. Avec l’interdiction de parler, l’obscurité et l’humidité, ces travailleurs se servaient de codes non-verbaux pour communiquer entre eux. Dans cet environnement hostile et pour pouvoir se comprendre, ces hommes produisaient différents sons claqués avec leurs mains, leurs bottes, les chaînes, le sol et la surface de l’eau. C’est dans ce contexte inhumain que le Gumboots est né!

Aujourd’hui, l’art du Gumboots comme art de la scène se pratique avec des sonnailles fixées autour de la botte de pluie à la hauteur des chevilles. Cela permet d’ajouter des sons à la rythmique produite avec les pas et les mains et, surtout, à rappeler le son des chaînes qui se frottent et se cognent. Pour cette activité, l’élève fabrique sa propre paire de sonnailles, un travail manuel enrichissant et particulier. Ensuite, les sonnailles sont fixées aux bottes : les jeunes peuvent maintenant danser le Gumboots. Cette forme d’expression revendique le droit à la dignité humaine et une fois sortie du contexte de la réalité d’autrefois, cette discipline artistique se fait dans la joie, le travail d’équipe et l’harmonie!

Bien que le Gumboots se danse à tous âges, nous rejoignons plus facilement par ce style, les plus vieux du primaire, les garçons et nos ados du secondaire. Cette danse percussive utilise le corps pour créer des rythmes variés avec des mouvements de pieds, des pas frappés au sol et des claquements de mains. Un moyen créatif et actif de produire des sons où seul, le corps comme caisse de résonance, devient l’instrument de percussion. Tout au long de l’apprentissage des pas de base et de petits enchaînements chorégraphiques, nous encourageons les élèves à prendre conscience de l’importance du travail d’équipe, à l’unisson ou en polyrythmie (plusieurs rythmes), et ce, toujours en harmonie!

Les arts de la scène et les arts visuels accompagnent le quotidien des sociétés traditionnelles africaines. Tout est sujet à créer, à exprimer, à partager en collectivité! Le masque étant intimement relié aux traditions, nous proposons au jeune d’en fabriquer un, tout droit sorti de son imagination.

Dans le premier atelier, l’élève vit l’expérience de créer son propre masque. Avec un modèle de base comme exemple, il ou elle s’en inspire pour ensuite s’amuser et s’exprimer dans sa créativité. La technique proposée par l’artiste-professeur permet aux participants d’orienter leur travail dans la simplicité et la spontanéité.

Le deuxième atelier, celui de danse africaine, devient un voyage à travers la découverte des mouvements issus de la culture africaine. Pour les groupes scolaires, les danses d’Afrique aident au développement de la coordination et la latéralité dans le corps. Elles favorisent aussi la prise de conscience du bien-être et l’enracinement à notre planète, bien que toute forme de danse aide à se sentir enraciné.

Nous travaillons la rythmique et la mouvement en choisissant des sujets spécifiques et nous créons des petits enchaînements chorégraphiques (ex. : danse de l’agriculture, danse des récoltes, des naissances et des morts, danse des retrouvailles familiales, etc.)

En danse africaine, tous les sujets deviennent pertinents à traduire en mouvements, soit les gestes du quotidien, les événements et signifiants collectifs, les étapes importantes dans une vie.

En Inde, l’art textile est omniprésent. Les parures brodées, colorées sur les vêtements, les murales et les foulards ne sont que quelques exemples de la richesse de cette forme d’expression. Les divers costumes des danses Bollywood, typiques de ce vaste pays, démontrent bien cette richesse qu’est l’art textile. Pour la partie création d’objets, chaque élève reçoit un petit foulard blanc. À partir de pochoirs rudimentaires communs au groupe, l’élève embellit le motif de base en décorant le foulard à sa manière. Nous proposons deux avenues pour les ateliers.

Une fois l’objet terminé, nous relions tous les foulards dans une ou plusieurs grandes banderoles que nous exposons sur les murs de l’école. Nous partons du principe de création individuelle engagée vers une démarche collective d’expression : des foulards à la fois différents et semblables. Le travail d’équipe de l’étape d’assemblage crée une harmonie, un lien entre les élèves. Comme autre avenue, les élèves vivent le premier atelier de danse en manipulant les petits foulards blancs et la deuxième rencontre devient celle où l’on créé l’objet final dans toute sa beauté colorée!

Les danses indiennes, issues des films bollywoodiens, deviennent l’outil d’expression pour nos jeunes. Les musiques de ce style de danse accrochent par leur côté moderne « funky ». Dans le travail d’apprentissage du mouvement, nous perfectionnons la coordination du corps, nous parlons de la confiance en soi et de l’expression à travers la danse. Nous jouons aux « stars » de cinéma indien. Bien entendu, nous respectons les rythmes d’apprentissage et nous le faisons dans un climat de joie et de bienveillance.

Tout autour de la planète, plusieurs peuples traditionnels possèdent des objets significatifs, ancrés dans leur culture. Ces objets, dont le bâton de parole, facilitent l’expression individuelle à l’intérieur de la collectivité et ils permettent à la communauté d’avoir des repères lors d’évènements marquants. Pour certains peuples, des autochtones d’Amérique en passant par des ethnies d’Afrique, ces objets font partie intégrante du quotidien.

Pour cette activité, nous associons le bâton de parole en tant qu’instrument de percussion qui accompagne le chant. Dans le premier atelier, les jeunes se fabriquent un bâton qu’ils décorent à leur goût. À partir d’une longue tige de bois dépouillée, chaque élève choisit comment il ou elle veut habiller son bâton. Nous ajoutons à même l’objet, un hochet percussif intégré à l’œuvre de manière à enrichir le son de l’objet. Ce projet se fait à partir d’éléments secs. Aucune colle, aucune peinture n’est utilisée, seulement des matières sèches et des matériaux récupérés ici et là. Tout un défi pour les jeunes!

Nous réinvestissons le bâton de parole lors de la deuxième rencontre. Il| devient ainsi un bâton de percussion qui accompagne les chants et les jeux rythmiques que les élèves expérimentent.

Selon l’inspiration du moment, l’artiste-professeure puise dans différents répertoires traditionnels du Monde